音樂[抽象藝術]

音樂[抽象藝術]

音樂是反映人類現實生活情感的一種藝術(英名稱:music;法文名稱: musique;義大利文:musica)。 音樂可以分為聲樂和器樂兩大類型,又可以粗略的分為古典音樂、民間音樂、原生態音樂、現代音樂(包括流行音樂)等。在藝術類型中,音樂具有抽象性,音樂從歷史發展上可分為東方音樂和西方音樂。東方以中國漢族音樂為首的中國古代理論基礎是五聲音階,即宮、商、角、徵、羽,西方是以七聲音階為主。音樂讓人賞心悅目,並為大家帶來聽覺的享受。音樂能提高人的審美能力,淨化人們的心靈,樹立崇高的理想。我們通過音樂來抒發我們的情感,使我們的很多情緒得到釋放。

基本信息

歷史發展

音樂[抽象藝術] 音樂[抽象藝術]

音樂是指有鏇律、節奏或和聲的人聲或樂器音響等配合所構成的一種藝術。

世界八大藝術之一。

古代音、樂有別。《禮記·樂記》:“凡音之起,由人心生也。人心之動,物使之然也,感於物而動,故形於聲。聲相應,故生變,變成方,謂之音。比音而樂之,及乾戚、羽旄,謂之樂”。後渾稱“音樂”,指用有組織的樂音表達人們的思想感情、反映社會生活的一種藝術。《三國·吳志·周瑜傳》:“ 瑜 少精意於音樂,雖三爵之後,其有闕誤, 瑜 必知之,知之必顧”。《前漢書平話》卷下:“帝至棘門 ,左翼將 徐邁 以音樂迎之,送帝至 霸陵橋 上”。 溫承訓 《動人的音樂》詩:“真的,音樂是人們感情的語言”。

音樂 音樂

人類社會究竟從什麼時候開始,已經無法考察。但是早在人類還沒有產生語言時,就已經知道利用聲音的高低、強弱等來表達自己的意思和感情。隨著人類勞動的發展,逐漸產生了統一勞動節奏的號子和相互間傳遞信息的呼喊,這便是最原始的音樂雛形;當人們慶賀收穫和分享勞動成果時,往往敲打石器、木器以表達喜悅、歡樂之情,這便是原始樂器的雛形。

西方音樂

西方音樂史是指西方音樂的發展歷程,詳細的時代可分為:古希臘羅馬時期音樂,中世紀時期音樂,文藝復興時期音樂,巴洛克音樂、古典主義音樂、浪漫音樂、現代音樂等。

宗教音樂時期

歐洲的古典音樂是在中世紀的伊利莎白時期發展而來的,這個時期的音樂主要以格里高利宗教音樂占主導地位。

當時人們對於基督教的崇拜和信仰完全不像這樣。中世紀時期的歐洲教會的權力要高於國家和一切的社會形勢,宗教是直接影響到政治和音樂的。所以當時的音樂只是純粹的宗教用途,在教堂中演唱,並沒有樂器伴奏,但這個時期的音樂卻對後來的音樂發展起到了非常重要的作用。

文藝復興時期

到了1450年後,歐洲進入了文藝復興時期,因為當時歐洲政治不穩定,教會的威信與勢力已經逐漸減弱,資產階級也開始萌芽。為了適應當時社會的發展和人們的新思想,在音樂、文化各個領域中都開始了文藝復興運動。在這個時期中,歐洲的傳統音樂開始成型。音樂在這時也不只有宗教音樂,世俗音樂也開始產生,各種樂器也產生並豐富了許多,為即將到來的巴洛克音樂時期做出了鋪墊。

巴洛克時期

巴洛克時期(約1600年—1750年)是古典音樂早期的一個重要形式,這個時期的音樂以復調音樂為主,華麗且複雜。雖然巴洛克音樂已經突破了宗教音樂完全的秩序和純真的表現,變得更加豐富了,但是在整個古典音樂的發展中,這個時期的音樂仍然受著很多宗教音樂的影響,透露出一種嚴謹的氣息。不過巴洛克時期的音樂相對於之前的音樂形式更加自由化了,各種音樂類型的出現以及樂器的成熟,使這個時期的音樂充滿著一種特殊的氣息,為後人所追捧。

在巴洛克時期的音樂家們是比較多的,並且相對現代的音樂家來說也要多產得多。在巴洛克時代最重要的人物應該是亨德爾、維瓦爾第、巴赫三位音樂家。亨德爾和巴赫都是以那個時代的鍵盤樂器管風琴和羽管鍵琴見長,但作曲形式稍有不同。亨德爾在歌劇方面的成就較多,而巴赫則一直專注於各種器樂的創作,為後人留下了大量經典的器樂作品。這一時期的小提琴音樂已經接近成熟,維瓦爾第的貢獻不可忽視。

古典主義時期

巴洛克時代的結束是以巴赫的逝世為界限的,隨後而來的便是古典主義時期(約1750年—1820年)。這個時期的音樂繼承了歐洲傳統的復調音樂和主調音樂成就,確立了奏鳴曲、協奏曲、交響曲等重要的音樂形式,並且室內樂也在這個時期發展起來,對之後音樂的發展起到很重要的影響。古典主義時期的音樂相對來說還是比較嚴謹的,繼承了巴洛克時代的理性,但是卻更多的融入了人們的情感,在兩者之中達到了統一。所以古典時期的音樂表達的內容更加豐富了,同音樂藝術融合在一起。

在古典音樂時期,最重要的三位代表人物是海頓、莫扎特、貝多芬。莫扎特的音樂充滿著華麗感,總是帶給人一種親和力,這種親和力來自於莫扎特為了創作音樂的純真心態。而貝多芬相對於莫扎特來說,則經歷了更多的生活困苦,以及長年病痛的纏繞。他將自己生活中的種種不幸寫入音樂中去,所以貝多芬的音樂帶給人們的更多的是一種憤怒、一種激情、一種與生活抗爭的態度。

浪漫主義時期

在1820年後隨著古典音樂時期的結束,浪漫主義音樂開始萌芽。這一時期的音樂形式更為豐富,是古典藝術巔峰時期中離現代最近的,最能夠被接受的古典音樂大多出自於這個時期。浪漫主義音樂已經更加注重人的精神境界和主觀的情感表達,對於自然景物的表現更加突出了,對於民族和民間的音樂利用也更加頻繁,可以說是真正趨向大眾化。

其實在古典音樂學派貝多芬、羅西尼等作曲家的晚期作品中,就已經透露出浪漫主義音樂的色彩,1800年前後出生的音樂家們則形成了初期浪漫主義的中心。隨後浪漫主義音樂經過孟德爾松、舒曼、蕭邦和威爾第等為世人所熟知的音樂家完善,在柴可夫斯基、李斯特和華格納時代達到了巔峰,他們構成了浪漫主義音樂的核心。當然晚期的浪漫主義音樂人馬勒、拉赫瑪尼諾夫的貢獻亦不容小覷。

在過渡到音樂浪漫主義時期之前的音樂時期里,即從20世紀初期到浪漫主義時期也不過百年時間,但是這也是古典音樂向現代音樂逐漸進化的時期,在這個短暫的時期中曾出現過多種音樂形式,還能稱之為古典音樂形式的有印象主義音樂、表現主義音樂和新古典主義音樂。表現主義音樂和新古典主義音樂一般被稱為新音樂,泛指印象派音樂之後發現起來的新型音樂形式。這些音樂同浪漫時期以及之前的古典音樂相比,已經有了本質的區別,古典音樂過渡到現代音樂已經成為必然的趨勢。

印象主義音樂

印象主義音樂時期大約在19世紀末20世紀初期之間,是與印象主義運動同時期的音樂風格。印象主義音樂已經不像浪漫主義時期的音樂那樣強調主觀情感的表現,而是更注重氛圍和色彩的營造,以呈現出一種抽象、超現實的色彩,成為進入現代音樂的開端。印象主義音樂給人以朦朧、撲朔迷離的感覺,暗示性較重,創作題材常取自於自然景物和詩畫等題材。德彪西和拉威爾是印象主義音樂中的代表人物。

表現主義音樂

表現主義音樂是否劃分到古典音樂尚未定論。這種盛行於20世紀初期的音樂形式與傳統的音樂完全相反,表現主義音樂忽視音樂創作總的各種調性規律,並且反對印象主義的客觀性,主張更直接表現人類的精神世界,這種音樂是以表現主觀的自我為主體的。表現主義的音樂無調可言,節奏和鏇律都難以捉摸,讓人感覺焦躁、瘋狂、恐懼和不安,但是卻擁有一種奇特的空間感和絢麗的色彩。表現主義音樂的代表人物是勛伯格以及他的兩個學生韋伯恩和貝爾格。

新古典音樂

新古典主義音樂盛行於20世紀20年代末,這種音樂形式主張音樂的創作應該保持客觀性和嚴肅性,主張以浪漫主義的手法集成古典音樂的形態。新古典主義音樂不但否定浪漫主義音樂的主觀性,也否定後浪漫主義的誇張表現,而希望以現代的手法再現出古典時期音樂。義大利鋼琴家、作曲家布索尼,俄國作曲家斯特拉文斯基等是新古典主義的代表人物。

具體音樂

所謂“具體音樂”就是將日常生活中存在的實際聲響,如風聲、雷聲、鳥鳴、狗吠、機車鳴笛、飛機轟隆等等事先錄好,然後編排,剪輯而成的音樂,這種不用人來演奏的音樂於1948年10月在巴黎首次播出。這種音樂的產生與錄音技術的發展緊密聯繫著。創者是法國國家電台的無線電工程師舍費爾,其代表作有《黑色練習曲》、《鐵路練習曲》、《燉鍋練習曲》、《紫羅蘭練習曲》、以及他與亨利合寫的《單人單響曲》、《暖昧協奏曲》、歌劇《奧菲歐》等。德國、美國、日本等國均有人從事這類音樂的創作。

偶然音樂

偶然音樂又稱“機會音樂”,就是在音樂中引入偶然因素。這種音樂的突出特徵是不確定性和偶然性,它採取擲硬幣、搖簽子、卜卦等手段由演奏者將作品的段落任意組合順序、任意確定音高、長短、音色、力度。偶然音樂的作曲家不再採用傳統的記譜法,他們各自選用音樂符號並加以說明這類作品無具體結構和形象、無調性,只是偶然的音響效果。

偶然音樂首先是在美國興起的,最著盛名的是美國作曲家凱奇。他的代表作有《變化之樂曲》、《鋼琴管弦樂隊協奏曲》、《幻想景色》以及鋼琴曲《4分33秒》等德國作曲家斯托克豪森的木管五重奏《節奏》、《鋼琴片斷》、《一個打擊樂器演奏者的套曲》、《三個演奏者的疊句》等,也是偶然音樂中有影響的作品。

電子音樂

電子音樂是用電子技術獲得音源,而產生的各種類型的音樂因此它是音樂的表現手段,它突破了傳統樂器的音響限制和人的演奏能力的局限,給作曲家隨心所欲進行創作提供了方便。隨著科學技術的發展和磁帶錄音機的問世,音樂探索者們還在不斷尋求新的音響20世紀50年代更加靈活的合成器在美國出現了,60年代電子計算機又進人了電子音樂領域。積體電路的相繼問世,更為電子音樂的繼續發展開闢了廣闊的前景。電子音樂既是一種表現手段,但同時也形成一種流派,最初的電子音樂作品是西德電台的技師艾默詩和作曲家拜厄合作的《交響習作音練習I、II》,而影響最大的則是西德的斯托克豪森,他寫有《電子音樂練習曲I、II》、《青年之歌》、《獨奏》、《話筒》等電子音樂作品。

此外,美國的巴比特、烏薩切夫斯基、日本的松夏真一、代敏郎、荷蘭的貝汀斯、德國的庫電涅克、卡格爾等等,也是電子音樂的代表人物。

中國音樂

古樂

中國古代“詩歌”是不分的,即文學和音樂是緊密相聯繫的。現存最早的漢語詩歌總集《詩經》中的詩篇當時都是配有曲調,為人民大眾口頭傳唱的。這個傳統一直延續下去,比如漢代的官方詩歌集成,就叫《漢樂府》,唐詩、宋詞當時也都能歌唱。甚至到了如今,也有流行音樂家為古詩譜曲演唱,如蘇軾描寫中秋佳節的《水調歌頭》還有李白的《靜夜思》。

中國古代對音樂家比較輕視,不像對待畫家,因為中國畫和書法聯繫緊密,畫家屬於文人士大夫階層,在宋朝時甚至可以“以畫考官”(其實也是因為宋徽宗個人對繪畫的極度愛好)。樂手地位較低,只是供貴族娛樂的“伶人”。唐朝時著名歌手李龜年也沒有什麼政治地位,人們知道他常出唐詩中,受人讚揚。

中國古代的“士大夫”階層認為,一個有修養的人應該精通“琴棋書畫”,所謂的“琴”就是流傳的古琴。不過古琴只限於士大夫獨自欣賞,不能對公眾演出。古琴音量較小,也是地位較高的樂器。

總結:中國古代的音樂理論發展較慢,在“正史”中地位不高,沒有能留下更多的書面資料。但音樂和文學一樣,是古代知識分子階層的必修課,在古代中國人的日常生活中無疑有著重要地位;民間則更是充滿了多彩的鏇律。

夏、商時期

夏商兩代是奴隸制社會時期。從古典文獻記載來看,這時的樂舞已經漸漸脫離原始氏族樂舞為氏族共有的特點,它們更多地為奴隸主所占有。從內容上看,它們漸漸離開了原始的圖騰崇拜,轉而為對征服自然的人的頌歌。例如夏禹治水,造福人民,於是便出現了歌頌夏禹的樂舞《大夏》。夏桀無道,商湯伐之,於是便有了歌頌商湯伐桀的樂舞《大蠖》。商代巫風盛行,於是出現了專司祭祀的巫(女巫)和覡(男巫)。他們為奴隸主所豢養,在行祭時舞蹈、歌唱,是最早以音樂為職業的人。奴隸主以樂舞來祭祀天帝、祖先,同時又以樂舞來放縱自身的享受。他們死後還要以樂人殉葬,這種殘酷的殉殺制度一方面暴露了奴隸主的殘酷統治,而在客觀上也反映出生產力較原始時代的進步,從而使音樂文化具備了迅速發展的條件。

據史料記載 ,在夏代已經有用鱷魚皮蒙制的鼉鼓。商代已經發現有木腔蟒皮鼓和雙鳥饕餮紋銅鼓,以及製作精良的脫胎於石樺犁的石磐。青銅時代影響所及,商代還出現了編鐘、編鐃樂器,它們大多為三枚一組。各類打擊樂器的出現體現了樂器史上擊樂器發展在前的特點。始於公元前五千餘年的體鳴樂器陶塤從當時的單音孔、二音孔發展到五音孔,它已可以發出十二個半音的音列。根據陶塤發音推斷,中國民族音樂思維的基礎五聲音階出新石器時代的晚期,而七聲至少在商、殷時已經出現。

西周、東周時期

西周和東周是奴隸制社會由盛到衰,封建制社會因素日趨增長的歷史時期。西周時期宮廷首先建立了完備的禮樂制度。在宴享娛樂中不同地位的官員規定有不同的地位、舞隊的編制。總結前歷代史詩性質的典章樂舞,可以看到所謂“六代樂舞”,即黃帝時的《雲門》,堯時的《鹹池》,舜時的《韶》,禹時的《大夏》,商時的《大蠖》,周時的《大武》。周代還有採風制度,,收集民歌,以觀風俗、察民情。賴於此,保留下大量的民歌,經春秋時孔子的刪定,形成了中國第一部詩歌總集--《詩經》。它收有自西周初到春秋中葉五百多年的入樂詩歌一共三百零五篇。《詩經》中最優秀的部分是“風”。它們是流傳於以河南省為中心,包括附近數省的十五國民歌。

此外還有文人創作的“大雅”、“小雅”,以及史詩性的祭祀歌曲“頌”這幾種體裁。就其流傳下來的的文字分析,《詩經》中的歌曲以可概括為十種曲式結構。作為歌曲尾部的高潮部分,已有專門的名稱“亂”。在《詩經》成書前後,著名的愛國詩人屈原根據楚地的祭祀歌曲編成《九歌》,具有濃重的楚文化特徵。至此,兩種不同不同音樂風格的作品南北交相輝映成趣。

周代時期民間音樂生活涉及社會生活的十幾個側面,十分活躍。世傳伯牙彈琴,鍾子期知音的故事即始於此時。這反映出演奏技術、作曲技術以及人們欣賞水平的提高。古琴演奏中,琴人還總結出“得之於心,方能應之於器”的演奏心理感受。著名的歌唱樂人秦青的歌唱據記載能夠“聲振林木,響遏飛雲”。更有民間歌女韓娥,歌“餘音饒梁,三日不絕”。這些都是聲樂技術上的高度成就。

周代音樂文化高度發達的成就還可以一九七八年湖北隨縣出土的戰國曾侯乙墓葬中的古樂器為重要標誌。這座可以和埃及金字塔媲美的地下音樂寶庫提供了當時宮廷禮樂制度的模式,這裡出土的八種一百二十四件樂器,按照周代的“八音”樂器分類法(金、石、絲、竹、匏、土、革、木)幾乎各類樂器應有盡有。

其中最為重要的六十四件編鐘樂器,分上、中、下三層編列,總重量達五千餘公斤,總音域可達五個八度。由於這套編鐘具有商周編鐘一鍾發兩音的特性,其中部音區十二個半音齊備,可以鏇宮轉調,從而證實了先秦文獻關於鏇宮記載的可靠。曾侯乙墓鍾、磐樂器上還有銘文,內容為各諸侯國之間的樂律理論,反映著周代樂律學的高度成就。

在周代,十二律的理論已經確立。五聲階名(宮、商、角、徵[zhi三聲]、羽)也已經確立。這時,人們已經知道五聲或七聲音階中以宮音為主,宮音位置改變就叫鏇宮,這樣就可以達到轉調的效果。律學上突出的成就見於《管子-地員篇》所記載的“三分損益法”。就是以宮音的弦長為基礎,增加三分之一(益一),得到宮音下方的純四度徵音;徵音的弦長減去三分之一(損一),得到徵音上方的純五度商音;以次繼續推算就得到五聲音階各音的弦長。

按照此法算全八度內十二個半音(十二律)的弦長,就構成了“三分損益律制”。這種律制由於是以自然的五度音程相生而成,每一次相生而成的音均較十二平均律的五度微高,這樣相生十二次得不到始發律的高八度音,造成所謂“黃鐘不能還原”,給鏇宮轉調造成不便。但這種充分體現單音音樂鏇律美感的律制一直延續。

秦、漢時期

秦漢時開始出現“樂府”。它繼承了周代對採風制度,蒐集、整理改變民間音樂,業績終了大量樂工在宴享、郊祀、朝賀等場合演奏。這些用作演唱的歌詞,被稱為樂府詩。樂府,後來又被引申為泛指各種入樂或不入樂的歌詞,甚至一些戲曲和氣越也都稱之為樂府。

漢代主要的歌曲形式是相和歌。它從最初的“一人唱,三人和”的清唱,漸次發展為有絲、竹樂器伴奏的“相和大曲”,並且具“艷--趨--亂”的曲體結構,它對隋唐時的歌舞大曲由著重要影響。漢代在西北邊疆興起了鼓吹樂。它以不同編制的吹管樂器和打擊樂器構成多種鼓吹形式,如橫吹、騎吹、黃門鼓吹等等。它們或在馬上演奏,或在行進中演奏,用於軍樂禮儀、宮廷宴飲以及民間娛樂。

今日尚存的民間吹打樂,當有漢代鼓吹的遺緒。在漢代還“百戲”出現,它是將歌舞、雜技、角牴(相撲)合在一起表演的節目。漢代律學上的成就是京房以三分損益的方法將八度音程華劃為六十律。這種理論在音樂實踐上雖無意義,但體現了律學思維的精微性。從理論上達到了五十三平均律的效果。

三國、兩晉、南北朝

由相和歌發展起來的清商樂在北方得到曹魏政權的重視,設定清商署。兩晉之交的戰亂,使清商樂流入南方,與南方的吳歌、西曲融合。在北魏時,這種南北融合的清商樂又回到北方,從而成為流傳全國的重要樂種。漢代以來,隨著絲綢之路的暢通,西域諸國的歌曲以開始傳入內地。北涼時呂光將在隋唐燕樂中占有重要位置的龜茲(今新疆庫車)樂帶到內地。由此可見當時各族人民在音樂上的交流已經十分普及了。

這時,傳統音樂文化的代表性樂器古琴趨於成熟,這主要表現為:在漢代已經出現了題解琴曲標題的古琴專著《琴賦》。三國時著名的琴家嵇康在其所著《琴賦》一書中有“徽以中山之玉”的記載。這說明當時的人們已經知道古琴上徽位泛音的產生。當時,出現了一大批文人琴家相繼出現,如嵇康、阮籍等,《廣陵散》(《聶政刺韓王》)、《猗蘭操》、《酒狂》等一批著名曲目問世。

南北朝末年還盛行一種有故事情節,有角色和化妝表演,載歌載舞,同時兼有伴唱和管弦伴奏的歌舞戲。這已經是一種小型的雛形戲曲。

這一時期律學上的重要成就,包括晉代荀瑁找到管樂器的“管口校正數”。南朝宋何承天在三分損益法上,以等差迭加的辦法,創立了十分接近十二平均律的新律。他的努力初步解決了三分損益律黃鐘不能還原的難題。

隋唐時期

隋唐兩代,政權統一,特別是唐代,政治穩定,經濟興旺,統治者奉行開放政策,勇於吸收外城文化,加上魏晉以來已經孕育著的各族音樂文化融合打基礎,終於萌發了以歌舞音樂為主要標誌的音樂藝術的全面發展的高峰。

唐代宮廷宴享的音樂,稱作“燕樂”。隋、唐時期的七步樂、九部樂就屬於燕樂。它們分別是各族以及部分外國的民間音樂,主要有清商樂(漢族)、西涼(今甘肅)樂、高昌(今吐魯番)樂、龜茲(今庫車)樂、康國(今俄國薩馬爾漢)樂、安國(今俄國布哈拉)樂、天竺(今印度)樂、高麗(今朝鮮)樂等。其中龜茲樂、西涼樂更為重要。燕樂還分為坐部伎和立部伎演奏,根據白居易的《立部伎》詩,坐部伎的演奏員水平高於立部伎。

風靡一時的唐代歌舞大曲是燕樂中獨樹一幟的奇葩。它繼承了相和大曲的傳統,融會了九部樂中各族音樂的精華,形成了散序--中序或拍序--破或舞遍的結構形式。見於《教坊錄》著錄的唐大曲曲名共有46個,其中《霓裳羽衣舞》以其為著名的皇帝音樂家唐玄宗所作,又兼有清雅的法曲風格,為世所稱道。著名詩人白居易寫有描繪該大曲演出過程的生動詩篇《霓裳羽衣舞歌》。

唐代趙耶利、董庭蘭等著名琴師和雷氏世家等斫琴師讓古琴藝術發展得更為完善。出現了新的古琴記譜方式——減字譜,逐漸取代原來的文字譜,記譜更為方便快捷,促進了琴曲的普及。

唐代音樂文化的繁榮還表現為有一系列音樂教育的機構,如教坊、梨園、大樂署、鼓吹署以及專門教習幼童的梨園別教園。這些機構以嚴密的考績,造就著一批批才華出眾的音樂家。文學史上堪稱一絕的唐詩在當時是可以入樂歌唱的。當時歌伎曾以能歌名家詩為快;詩人也以自己的詩作入樂後流傳之廣來衡量自己的寫作水平。在唐代的樂隊中,琵琶是主要樂器之一。它已經與今日的琵琶形制相差無幾。福建南曲和日本的琵琶,在形制上和演奏方法上還保留著唐琵琶的某些特點。

受到龜茲音樂理論的影響,唐代出現了八十四調,燕樂二十八調的樂學理論。唐代曹柔還創立了減字譜的古琴記譜法,一直沿用至近代。

宋金元時期

宋、金、元時期音樂文化的發展以市民音樂的勃興為重要標誌,較隋唐音樂得到更為深入的發展。隨著都市商品經濟的繁榮,適應市民階層文化生活的遊藝場“瓦舍”、“勾欄”應運而生。在“瓦舍”、“勾欄”中人們可以聽到叫聲、嘌唱、小唱、唱賺等藝術歌曲的演唱;也可以看到說唱類音樂種類崖詞、陶真、鼓子詞、諸宮調,以及雜劇、院本的表演;可謂爭奇鬥豔、百花齊放。這當中唱賺中的纏令、纏達兩種曲式結構對後世戲曲以及器樂的曲式結構有著一定的影響。而鼓子詞則影響到後世的說唱音樂鼓詞。諸宮調是這一時期成熟起來的大型說唱曲種。其中歌唱占了較重的分量。

承隋唐曲子詞發展的遺緒,宋代詞調音樂獲得了空前的發展。這種長短句的歌唱文學體裁可以分為引、慢、近、拍、令等等詞牌形式。在填詞的手法上已經有了“攤破”“減字”“偷聲”等。南宋姜夔是既會作詞,有能依詞度曲的著名詞家、音樂家。他有十七首自度曲和一首減字譜的琴歌《古怨》傳世。這些作品多表達了作者關懷祖國人民的心情,描繪出清幽悲涼的意境,如《揚州慢》、《鬲溪梅令》、《杏花天影》等等。宋代的古琴音樂以郭楚望的代表作《瀟湘水雲》開古琴流派之先河。作品表現了作者愛戀祖國山河的盎然意趣。在弓弦樂器的發展長河中,宋代出現了“馬尾胡琴”的記載。

到了元代,民族樂器三弦的出現值得注意。在樂學理論上宋代出現了燕樂音階的記載。同時,早期的工尺譜譜式也在張炎《詞源》和沈括的《夢溪筆談》中出現。近代通行的一種工尺譜直接導源於此時。宋代還是中國戲曲趨於成熟的時代。它的標誌是南宋時南戲的出現。南戲又稱溫州雜劇、永嘉雜劇,其音樂豐富而自然。

最初時一些民間小調,演唱時可以不受宮調的限制。後來發展為曲牌體戲曲音樂時,還出現了組織不同曲牌的若干樂句構成一種新曲牌的“集曲”形式。南戲在演唱形式上已有獨唱、對唱、合唱等多種。傳世的三種南戲劇本《張協狀元》等見於《永樂大曲》。戲曲藝術在元代出現了以元雜劇為代表的高峰。

元雜劇的興盛最初在北方,漸次向南方發展,與南方戲曲發生交融。代表性的元雜劇作家有關漢卿、馬致遠、鄭光祖、白樸,另外還有王實甫、喬吉甫,世稱六大家。典型作品如關漢卿的《竇娥冤》,《單刀會》,王實甫的《西廂記》。元雜劇有嚴格的結構,即每部作品由四折(幕)一楔子(序幕或者過場)構成。一折內限用同一宮調,一韻到底,常由一個角色(末或旦)主唱,這些規則,有時也有突破,如王實甫的《西廂記》達五本二十折。

元雜劇對南方戲曲的影響,造成南戲(元明之際叫做傳奇)的進一步成熟。出現了一系列典型劇作,如《拜月庭》、《琵琶記》等等。這些劇本經歷代流傳,仍在上演。當時南北曲的風格已經初步確立,以七聲音階為主的北曲沉雄;以五聲音階為主的南曲柔婉。隨著元代戲曲藝術的發展,出現了最早的總結戲曲演唱理論的專著,即燕南之庵的《唱論》,而周德清的《中原音韻》則是北曲最早的韻書,他把北方語言分為十九個韻部,並且把字調分為陰平、陽平、上聲、去聲四種。這對後世音韻學的研究以及戲曲說唱音樂的發展均有很大的影響。

明清時期

由於明清社會已經具有資本主義經濟因素的萌芽,市民階層日益壯大,音樂文化的發展更具有世俗化的特點明代的民間小曲內容豐富,雖然良莠不齊,但其影響之廣,已經達到“不論男女”,“人人習之”的程度。由此,私人收集編輯,刊刻小曲成風,而且從民歌小曲到唱本,戲文,琴曲均有私人刊本問世。如馮夢龍編輯的《山歌》,朱權編輯的現存最早的古琴譜集《神奇秘譜》等。

明清時期說唱音樂異彩紛呈。其中南方的彈詞,北方的鼓詞,以及牌子曲,琴書,道情類的說唱曲種更為重要。南方秀麗的彈詞以蘇州彈詞影響最大。在清代,蘇州出現了以陳遇乾為代表的蒼涼雄勁的陳調;以馬如飛為代表的爽直酣暢的馬調;以俞秀山為代表的秀麗柔婉的俞調這三個重要流派。以後又繁衍出許多新的流派。

北方的鼓詞以山東大鼓,冀中的木板大鼓、西河大鼓、京韻大鼓較為重要。而牌子曲類的說唱有單弦,河南大調曲子等;琴書類說唱有山東琴書,四川揚琴等;道情類說唱有浙江道情,陝西道情,湖北漁鼓等,少數民族也出現了一些說唱曲如蒙古說書、白族的大本曲。

明清時期歌舞音樂在各族人民中有較大的發展,如漢族的各種秧歌,維吾爾族燈木卡姆,藏族的囊瑪,壯族的銅鼓舞,傣族的孔雀舞,彝族的跳月,苗族的蘆笙舞等等。以聲腔的流布為特點,明清戲曲音樂出現了新的發展高峰。明初四大聲腔有海鹽、餘姚、弋陽、崑山諸腔,其中的崑山腔經由江蘇太倉魏良甫等人的改革,以曲調細膩流暢,發音講究字頭、字腹、字尾而贏得人們的喜愛。崑山腔又經過南北曲的匯流,形成了一時為戲曲之冠的崑劇。

最早的崑劇劇目是明梁辰魚的《浣紗記》,其餘重要的劇目如明湯顯祖的《牡丹亭》、清洪升的《長生殿》等。弋陽腔以其靈活多變的特點對各地的方言小戲發生重要影響,使得各地小戲日益增多,如各種高腔戲。明末清初,北方以陝西西秦腔為代表的梆子腔得到很快的發展,它影響到山西的蒲州梆子、陝西的同州梆子、河北梆子、河南梆子。這種高亢、豪爽的梆子腔在北方各省經久不衰。晚清,由西皮和二黃兩種基本曲調構成的皮黃腔,在北京初步形成,由此,產生了影響遍及全國的京劇。

明清時期,器樂的發展表現為民間出現了多種器樂合奏的形式。如北京的智化寺管樂,河北吹歌,江南絲竹,十番鑼鼓等等。明代的《平沙落雁》、清代的《流水》等琴曲以及一批豐富的琴歌《陽關三疊》、《胡茄十八拍》等廣為流傳。琵琶樂曲自元末明初有《海青拿天鵝》以及《十面埋伏》等名曲問世,至清代還出現了華秋萍編輯的最早的《琵琶譜》。明代末葉,著名的樂律學家朱載育計算出十二平均律的相鄰兩個律(半音)間的長度比值,精確到二十五位數字。

近代

19世紀末,中國被迫開放南方沿海,開始接觸西方音樂和樂器,廣東音樂首先吸收西方和聲方法,創造了新樂器揚琴和木琴,發展了樂隊合奏的音樂,廣東音樂仍然有其獨特的魅力,是中西結合比較成功的典範。

1838到1903年(即狹義的“學堂樂歌”運動興起前的六十多年)教會音樂也對中國現代音樂教育產生了巨大影響。在鴉片戰爭後,傳教士赴華數量增加,西方傳教士在中國傳教時,往往用唱聖詩來做為輔助方法,因此半音等概念都得到了傳播。

民間音樂家為中國樂器的演奏發展創造了新的階段,二胡作曲家劉天華創作了大量的二胡獨奏曲,如《良宵》、《光明行》、《江河水》等,演奏家華彥鈞(瞎子阿炳)創作了《二泉映月》等二胡和琵琶曲。儘管當時時世動亂,但中國民族音樂不論在獨奏和樂隊合奏方面都有很大的發展。

1910年代到1920年代的新文化運動期間,很多到海外留學的中國音樂家回國之後,開始演奏歐洲古典音樂,也開始用五線譜紀錄新作品。大城市裡組成了新興交響樂團,混合歐洲古典音樂和爵士樂,在音樂廳和收音機里非常流行。在20世紀30年代的上海達到其鼎盛時期。

雖然使用西方的樂器和音樂手段,但通俗音樂仍然是以中國的方式,即鏇律為主,五聲音階為主,才能受到最多人的喜愛。周璇是當時最受歡迎的表演家之一,是當時通俗音樂的代表,其為電影《馬路天使》演唱的主題歌《天涯歌女》和《四季歌》一時極為流行,符合當時的民眾的抗日情緒,被稱為“金嗓子”。

現代

中華人民共和國建立之後,除革命歌曲之後,又加入翻譯成中文的蘇聯歌曲。各地開始建立交響曲團,演奏西方古典音樂,和中國作曲家的新作。東歐的樂團曾多次到中國表演,中國樂團也參加了許多國際表演會。中國音樂家也嘗試用西方的樂器方法寫作具有中國風味的音樂,比較成功的有小提琴協奏曲《梁祝》,採納了越劇的部分鏇律。

和第三世界的國家交往也不斷增加,為此成立了東方歌舞團,專門學習、演唱亞洲、非洲和拉丁美洲國家各民族的民歌樂曲,在中國廣受歡迎,從此開發中國家的音樂開始對中國音樂產生影響。中國民族樂隊的配器、合奏方式也基本定型,產生了不少成功的民族器樂交響曲。

20世紀,中國的民族音樂開始受到世界各國的廣泛關注,每年春節,都會被邀請到維也納金色大廳舉行中國新年音樂會,並座無虛席。

當代

自中國改革開放以來,流行音樂首先從我國的香港及台灣地區進入內地,尤其是台灣的校園歌曲和鄧麗君演唱的歌曲,在內地大受歡迎。曾在中國中央電視台1984年春節聯歡晚會演出的張明敏的《我的中國心》在內地一炮走紅,這也是中國內地第一次公開的港台歌曲演出。此後,中國內地的流行歌曲與其他地區的各種風格、各種流派的音樂結合,產生了不少膾炙人口的歌曲。

中國的流行音樂發展迅速,成為世界流行音樂中一支不可低估的生力軍。我國香港和台灣的流行音樂發展非常迅速,基本和國際流行趨勢同步,尤其是香港,因為當局不干擾音樂的創作,出現了許多著名的歌手和歌曲,不僅風靡內地,而且受到日本、韓國等地歌迷的崇拜。

1984年以來,中國的內地、台灣、香港地區以及全球其它地區的華人流行音樂不斷交流,開始出現互相融合、匯聚的趨勢。因此,開始出現“全球華語流行音樂”的總體稱謂。一個突出的表現:中國大陸作為全球最大的消費市場之一,港台、海外各大流行音樂榜單的發布和編制越來越多地開始關注大陸市場。

特點:娛樂性,一般不具備很深音樂理論和技巧修養甚至根本沒什麼音樂知識的聽眾都能接受;生活性,它直接宣洩人的情緒和感情;通俗性,歌詞大多近似白話,而且表達的內容很貼近生活。

主要樂器

•弦樂器

古琴 古琴

世界上最早的弦樂器是中國的古琴,亦稱瑤琴、玉琴、七弦琴。古琴,是在周朝就已盛行的樂器,截止(2013年)至少也有3000年以上的歷史了;本世紀初才被稱作“古琴”。琴的創製者有“昔伏羲作琴”、“神農作琴”、“舜作五弦之琴以歌南風”等作為追記的傳說,可看出琴在中國有著悠久的歷史。《詩經·關雎》有“窈窕淑女,琴瑟友之”,《詩經·小雅》亦有:“琴瑟擊鼓,以御田祖”等記載。

•管樂器

管樂器 管樂器

中國古代歷史記述了距今五千年前的黃帝時代,有一位名叫做伶倫的音樂家,他進入西方昆化山內采竹為笛。當時恰有五隻鳳凰在空中飛鳴,他便合其音而定律。雖然這一故事也不能完全相信,但是,可將其看做是有關管樂器起源的帶有神秘色彩的傳說。

古代樂器

出土文物:中國古代石制編磬 出土文物:中國古代石制編磬

中國最初的帝王——黃帝,是五千年前創造了曆法和文字的名君。當時,除了前述的伶倫之外,還有一位名叫“伏羲”的音樂家。據說伏羲是人首蛇身,曾在母胎中孕育了十二年。他彈奏了張有五十弦的琴,由於音調過於悲傷,黃帝將其琴斷去一半,改為二十五弦。

此外,在黃帝時代的傳說中,神農也是一名音樂家,他教人耕作,嘗百草發現了草藥,他還創造了五弦琴。

基本含義

音樂是用組織音構成的聽覺意象,來表達人們的思想感情與社會現實生活的一種藝術形式。也是最能即時打動人的藝術形式之一。鏇律響起人們往往無法抗拒的立即處於音樂的氛圍當中。任何一種藝術形式都有自己表情達意、塑造藝術意象的表現形式。比如舞蹈是通過肢體動作、面部表情,繪畫是通過線條、色彩、構圖,文學是通過字、詞、句、篇來體現藝術意象。通常,人們正是以表現手段的不同來區分藝術的不同種類,例如不同的樂器。音樂還能表現出樂手們和音樂創作者的用心。

根據《禮記》中《樂記》詳細記載了“凡音之起,由人心生也,人心之動,物使之然也,感於物而動,故形於聲,聲相應,故生變。 ”這種介紹簡單明了的涵蓋了音樂的聲音變化與人心情感之間的聯繫,如果我們進一步翻查古籍進一步推敲,就能對平時聽到的有關音樂辭彙涵義有更深入的了解。

聲:在自然中容易被人耳捕捉得到的能量波動。

音:擁有穩定變化規則並且可控制的持續聲波。

樂:經過組織挑選後的悅耳聲波。

調:根據某個規則進行挑選過後的音集合。

律:對集合音進行更加規律的排列順序。

段:在一定時間內完成某個

曲:按照一個整體對所有上述提到的聲音樂調律段進行整體的組織。

這些詞語相互組合,就構成了聲音,音樂,樂音,音調,樂調等詞。(聲樂,是以人聲作為樂器的簡稱。)

聲音藝術

音樂圖片 音樂圖片

音樂以聲音為表現手段的藝術形式,意象的塑造,以有組織的音為材料來完成的。因此,如同文學是語言的藝術一樣,音樂是聲音的藝術。這是音樂藝術的基本特徵之一。作為音樂藝術表現手段的聲音,有與自然界的其他聲音不同的一些特點。

任何一部音樂作品中所發出來的聲音都是經過作曲家精心思考創作出來的,這些聲音在自然界是可以找到,但是沒有經過藝術家們別出心裁創作與組合,是不能成為音樂的。所以,無論是一首簡單的歌曲,還是一部規模宏大的交響樂,都滲透著作者的創作思維與靈感。隨便塗抹的線條和色彩不是繪畫,任意堆砌的語言文字不是文學,同樣,雜亂無章的聲音也不是音樂。構成音樂意象的聲音,是一種有組織有規律的和諧的音樂,包括鏇律、節奏、調式、和聲、復調、曲式等要素,總稱為音樂語言。沒有創造性的因素,任何聲音都不可能變成為音樂。

語言具有一種約定性的語義,每一句話,甚至每一個字都具有特定的涵義。這種涵義在運用該語言的社會範圍內是被公認的,是一種約定俗成;音樂的聲音卻完全不同,它僅僅限定在藝術的範圍內,只作為一種藝術交往而存在;任何音樂中的聲音,它本身絕不會有像語言那樣十分確定的含意,它們是非語義性的。

聽覺藝術

音樂既然是聲音的藝術,那么,它只能訴諸於人們的聽覺,所以,音樂又是一種聽覺藝術。心理學的定向反射和探究反射原理告訴我們,一定距離內的各種外在刺激中,聲音最能引起人們的注意,它能夠迫使人們的聽覺器官去接受聲音,這決定了聽覺藝術較之視覺藝術更能直接地作用於人們的情感,震撼人們的心靈。

音樂只能用聲音來表現,用聽覺來感受,但這並不等於說人們在創作和欣賞音樂時,大腦皮層上只有與聽覺相對應的部位是興奮的,而其他部位都處於抑制狀態之中。實際上,音樂家不止是通過聽覺的渠道,而是用整個身心去感受和體驗、認識和表現生活的,這同其他門類的藝術家並沒有什麼區別。不同的是在藝術構思和藝術表現的時候,音樂家是把個人的多方面的感受,通過形象思維凝聚為聽覺意象,然後用具體的音響形式表現出來。

因此,音樂作品中所表現的思想情感,不是單純的聽覺感受,而是整體的感受。同樣,人們在欣賞音樂的時候,雖然主要是通過聽覺的渠道,接受的是聽覺的刺激,但由於通感的作用,也可能引起視覺意象,產生豐富生動的聯想和想像,進而引起強烈的感情反應,體驗到音樂家在作品中表達的思想感情和情境,獲得美感,並為之感動。

情感藝術

在所有的藝術形式中,音樂是最擅長於抒發情感、最能撥動人心弦的藝術形式,它藉助聲音這個媒介來真實地傳達、表現和感受審美情感。音樂在傳達和表現情感上,優於其他藝術形式,是因為它所採用的感性材料和審美形式——聲音最合於情感的本性,最適宜表達情感。或莊嚴肅穆,或熱烈興奮,或悲痛激憤,或纏綿細膩,或如泣如訴。音樂可以更直接、更真實、更深刻地表達人的情感。那么,音樂為什麼能夠用有組織的聲音來表達人的情感呢,一種理論認為,音樂的表情性來自於音樂對人的有表情性因素的語言的模仿。人的語言用語音、聲調、語流、節奏、語速等表情手段配合語義來表情達意,而音樂的音色、音調起伏、節奏速度等表現手段能起到與語言的表情手段同樣的作用。

個人認為,音樂的聲音形態與人類情感之間存在著相似性,具有某種“同構關係”,這是音樂能表達人情感的根本原因。音樂理論家於潤洋曾指出:“音響結構之所以能夠表達特定的情感,其根本原因在於這二者之間存在著一個極其重要的相似點,那就是這二者都是在時間中展示和發展,在速度、力度、色調上具有豐富變化的、極富於動力性的過程。這個極其重要的相似點正是這二者之間能夠溝通的橋樑。”比如“喜悅”,它是人高興、歡樂的感情表現。一般來說,這種感情運動呈現出一種跳躍、向上的運動形態,其色調比較明朗,運動速度與頻率較快。表現“喜悅”的感情的音樂,一般也採取類似的動態結構,如民樂曲《喜洋洋》,用較快的速度、跳蕩的音調等表現手段表達了人們喜悅的情感。

時間藝術

雕塑、繪畫等藝術形式凝固在空間,使人一目了然。我們欣賞美術作品,首先看到美術作品的整體,然後,才去品味它的細節。而音樂則不同,音樂要在時間裡展開、在時間裡流動。我們欣賞音樂,首先從細節開始,從局部開始,直到全曲奏(唱)完,才會給我們留下整體印象。只聽音樂作品中的個別片斷,不可能獲得完整的音樂意象。所以,音樂藝術又是一種時間藝術。

作為聽覺藝術的音樂意象是在時間中展開的,是隨著時間的延續在運動中呈現、發展、結束的。所謂“音樂意象”,指的是整個音樂作品所表現出的藝術家的思想感情並在欣賞者的思想感情中所喚起的意象或意境。例如,《春江花月夜》用甜美、安適、恬靜的曲調,表現了在江南月夜泛舟於景色如畫的春江之上的感受,創造了令人神往的音樂意境。

音樂作品不像文學或繪畫那樣,只要作者創作完成,創作過程結束,就可以直接供人們欣賞了。音樂作品必須通過表演這箇中間環節,才能把作品表達的意象傳達給欣賞者,實現其藝術作品的審美價值。所以,音樂又是表演的藝術,是需要由表演進一步再創造的藝術。

當作曲家把生動的樂思以樂譜的形式記錄下來的時候,就已經抽掉了它的靈魂,所剩下的不過是一個沒有生命的樂音符號系列。而使音樂作品重新獲得生命,把樂譜變成有血有肉的活的音樂的方式,就是音樂表演。如果沒有音樂表演,音樂作品永遠只能以樂譜的形式存在,而不會成為真正的音樂。

無論哪一位作曲家寫下的樂譜,都與他們的樂思之間有著一定的差距。而要使這種差距得到彌補、使樂譜中潛藏的樂思得到發掘、使樂譜無法記錄的東西得到豐富和補充,這一切都有賴於音樂表演者的再創造。所以,音樂也是表演的藝術,音樂作品只有通過表演這個途徑才能為聽眾所接受。

基本分類

一些音樂作品是通過人聲表達的,這樣的作品被稱為聲樂作品,有一些作品是用樂器演奏出來的,這樣的音樂作品被稱為器樂作品。世界上一切音樂作品都包括在“聲樂”和“器樂”這兩大類別里。

按表達方式

•聲樂

聲樂作品又可根據其形式、風格的不同分成歌曲、說唱音樂、戲曲音樂、歌劇等不同體裁。歌曲是一種小型的音樂體裁,包括民歌、藝術歌曲、通俗歌曲、兒童歌曲等。從形式上可分成獨唱、對唱、合唱、齊唱、聯唱等。說唱音樂是指曲藝音樂而言,包括單弦、大鼓、清音、評彈、數來寶、琴書、二人轉、道情、漁鼓等。

戲曲音樂指京劇、豫劇、越劇、花鼓戲、採茶戲、黃梅戲、評劇、漢劇,以及其它的地方戲的音樂。

歌劇音樂也是一種戲曲音樂,但不象戲曲音樂那樣有固定的程式和傳統的唱腔。歌劇音樂是作曲家使用民族音調和富有時代色彩的音樂語言創作的戲劇音樂。

•器樂

器樂作品可分成獨奏曲、重奏曲和合奏曲。

獨奏曲範圍很廣。幾乎各種樂器都有獨奏曲。中國的二胡、琵琶、板胡、笛、簫、葫蘆絲、嗩吶、揚琴、笙、古琴、箏、柳琴、木琴等,都不乏著名的獨典曲。西洋樂器雖亦如此,但舉世聞名的還是以小提琴、鋼琴、吉他、電子琴等樂器的獨奏曲為最多。

重奏曲在中國民間不太多見。但在歐洲,弦樂四重奏、木管五重奏等卻有很多優秀作品間世,並在世界各地流傳。

合奏曲是指多種樂器演奏同一樂曲作品。在合奏曲中,各個樂器既充分發揮各自的性能和特長,又按一定的和聲規律相互協調配合。在中國的民族器樂合奏曲中,江南絲竹和廣東音樂占了很大比重。民族管弦樂曲則多為作曲家改編或創作的。民族吹打樂在我國的合奏曲中亦處不可忽視的地位。用西洋的銅管樂器、木管樂器、弦樂器及打擊樂配合演奏的樂曲稱為管弦樂。管弦樂曲在十七世紀的歐洲有了顯著的進步,當時的體裁包括組曲、序曲、賦格曲、幻想曲、隨想曲、狂想曲、協奏曲,以及對曲式有較嚴格要求的交響曲、交響詩。

按鏇律風格

•古典音樂

"Classic"一詞來源於拉丁語,原指羅馬社會上等階層,後轉義為人類具有普遍性和永恆性價值的業績。在國外,這種音樂類型被稱之為“classical music”,“classical”有“古典的、正統派的、古典文學的”之意,所以我們國人將之稱為“古典音樂”,確切地說應該是“西洋古典音樂”。首先從概念上解釋,“古典音樂”是一種音樂類別的名稱。然而即使在國外,對於“classical music”一詞的具體意義,也有諸多不同的解釋,其中主要異議來自於對“古典音樂”時代劃分理念的不同:

1、以逾時代的普遍性、永恆性的藝術價值和音樂藝術最高業績為標準,將那些能作為同時代,後代典範的,具有具有永久藝術價值的音樂統稱為“古典音樂”。根據這一標準,古典音樂又被稱為“嚴肅音樂”或“藝術音樂”,用以區分通俗音樂(流行音樂)。

2、特指1750~1820年左右的古典樂派時期。

古典樂派的風格形成於巴洛克時期音樂的逐漸消失之中,消融於浪漫樂派風格的逐漸形成之中,經歷了巴洛克音樂向早期古典樂派的過度。眾多樂派中,維也納古典樂派代表人物有:海頓、莫扎特,貝多芬。

•流行音樂

流行音樂(pop music)是根據英語popular music翻譯過來的。按照漢語詞語表面去理解,所謂流行音樂,是指那些結構短小、內容通俗、形式活潑、情感真摯,並被廣大民眾所喜愛,廣泛傳唱或欣賞,流行一時的甚至流傳後世的器樂曲和歌曲。這些樂曲和歌曲,植根於大眾生活的豐厚土壤之中。因此,又有“大眾音樂”之稱。但是,這樣的界定有可能使那些本不屬於流行音樂的音樂如《國際歌》、《義勇軍進行曲》、《馬賽曲》、《洪湖水浪打浪》、《歌唱祖國》、《東方紅》《南泥灣》等,僅僅因為它們也在民眾中廣泛流傳而都可被劃歸為流行音樂。

另一方面,又把那些分明是流行的音樂,由於它們流傳不開(這在流行音樂中也為數不少)而排除在流行音樂之外。顯然,流行音樂不一定都流行,流行的音樂也不只是流行音樂。流行音樂準確的概念應為商品音樂,是指以贏利為主要目的而創作的音樂。它是商業性的音樂消遣娛樂以及與此相關的一切“工業”現象。(見前蘇聯《音樂百科詞典》1990 年版)它的市場性是主要的,藝術性是次要的。

•民族音樂

廣義指浪漫浪漫主義中後期興起的富有民族色彩的,或是宣揚民族主義的樂派。

狹義地講,指中國民族音樂。所謂中國民族音樂就是祖祖輩輩生活、繁衍在中國這片土地上的各民族,從古到今在悠久歷史文化傳統上創造的具有民族特色,能體現民族文化和民族精神的音樂。而廣義上,中國音樂是泛指世界上具有五聲調式特徵的音樂。

中國的民族音樂藝術是世界上非常具有特色的一種藝術形式。中華民族在幾千年的文明中,創造了大量優秀的民族音樂文化,形成了有著深刻內涵和豐富內容的民族音樂體系。這一體系在世界音樂中占有重要的地位。我們要認識中國音樂,不能僅僅會唱一些中國歌曲,聽幾段傳統樂曲,還必須從民族的、歷史的、地域的角度去考察中國音樂,了解中國音樂,從而真正理解中國音樂的內涵,了解它在世界音樂體系中的地位和歷史價值。中國民族音樂分為:民間歌曲、民間歌舞音樂、民間器樂、民間說唱音樂和民間戲曲音樂。

基本要素

音樂基本要素:音樂的基本要素是指構成音樂的各種元素,包括音的高低,音的長短,音的強弱和音色。由這些基本要素相互結合,形成音樂的常用的“形式要素”,例如:曲調,節奏,和聲,以及力度,速度,調式,曲式,織體,音色等。構成音樂家的形式要素,就是音樂的表現手段。音樂的最基本要素是鏇律和節奏。

1、曲調:曲調也稱鏇律。高低起伏的樂音按一定的節奏有秩序地橫向組織起來,就形成曲調。曲調是音樂形式中最重要的表現手段,是音樂的本質,是音樂的決定性因素。曲調的進行方向是變幻無窮的,基本的進行方向有三種:“水平進行”、“上行”和“下行”。相同音的進行方向稱水平進行;由低音向高音方向進行稱上行;由高音向低音方向進行稱下行。曲調的常見進行方式有:“同音反覆”、“級進”和“跳進”。依音階的相鄰音進行稱為級進,三度的跳進稱小跳,四度和四度以上的跳進稱大跳。

2、節奏:音樂的節奏是指音樂運動中音的長短和強弱。音樂的節奏常被比喻為音樂的骨架。節拍是音樂中的重拍和弱拍周期性地、有規律地重複進行。我國傳統音樂稱節拍為“板眼”,“板”相當於強拍;“眼”相當於次強拍(中眼)或弱拍。

3、和聲:和聲包括“和弦”及“和聲進行”。和弦通常是由三個或三個以上的樂音按一定的法則縱向(同時)重疊而形成的音響組合。和弦的橫向組織就是和聲進行。和聲有明顯的濃、淡、厚、薄的色彩作用;還有構成分句、分樂段和終止樂曲的作用。

4、力度:音樂中音的強弱程度。

5、速度:音樂進行的快慢。

6、調式:音樂中使用的音按一定的關係連線起來,這些音以一個音為中心(主音)構成一個體系,就叫調式。如大調式、小調式、我國的五聲調式等。調式中的各音,從主音開始自低到高排列起來即構成音階。

7、曲式:音樂的橫向組織結構。

8、織體:多聲音樂作品中各聲部的組合形態。(包括縱向結合和橫向結合關係)。

9、音色:音色有人聲音色和樂器音色之分。在人聲音色中又可分童聲、女聲、男聲等。樂器音色的區別更是多種多樣。在音樂中,有時只用單一音色,有時又使用混合音色。

記譜方法

在中國幾千年的音樂文化發展史上,曾經產生過許多種記譜方式,如減字譜、律呂字譜、宮商字譜、工尺譜等,人們用它來記錄、保存和傳播轉瞬即逝的音樂。但是,由於這些記譜法的複雜、繁瑣和不精確,所以除了減字譜還在古琴記譜中使用、工尺譜在民間還有些老藝人在使用外,其他的幾種記譜方式已經逐漸的被人們遺忘了。

在中國近現代、當代的音樂生活中,人們記錄音樂常用的兩種記譜方式—五線譜與簡譜,都不是中國的“土產”,而是從國外傳進來的。

簡譜

簡譜又名數字譜,它用1、2、3、4、5、6、7代表音階中的7個基本音級,休止以0來表示,通過在數字的上面或下面加點表示高八度或低八度;在數字的後面或下面加短橫線表示時值的長短,是一種簡捷、直觀的記譜法。簡譜的雛形初見於16世紀的歐洲。17世紀時由法國天主教會教士蘇艾蒂加以改進後用來教唱教會歌曲。18世紀中葉,著名的法國思想家、文學家盧梭再將它加以改進,並編人他的《音樂辭典》之中。19世紀,經過加蘭、帕里斯和謝韋三人的繼續改進和推廣,才在民眾中得到廣泛使用。因此這種簡譜在西方被稱為“加—帕—謝氏記譜法”。但由於這種記譜法不方便於記錄多聲部的、結構複雜的音樂,因此簡譜在歐洲幾乎從未普及過。

簡譜在20世紀初,於學堂樂歌時期經日本傳入我國,經過早期音樂教育人士的大力推廣及30年代抗戰救亡歌詠運動的開展,在我國迅速普及,成為國內音樂教育、表演、傳播的主要記譜方式。

簡譜得以在中國廣泛普及,還有一個原因,就是簡譜的記譜法與流行在中國民間的一種文字譜—工尺譜相當接近。如工尺譜是用“上尺工凡六五乙”幾個字和附在字左邊的不同的偏旁來表示音的高低的,而簡譜則是用七個阿拉伯數和附在數上面或下面的圓點來表示音的高低工尺譜是用附在字右邊的板眼符號來表示音的長短,而簡譜則是用附在阿拉伯數右面或下面的短橫線來表示音的長短。簡譜與工尺譜如此相近,簡譜記錄音的高低長短的方法又比工尺譜更簡便、更精確,因此中國人十分容易接受簡譜。就世界範圍而言,中國是把簡譜吸收的最好、又將其發揚光大的國家。世界上沒有哪一個國家像中國這樣,簡譜得到如此普及。

簡譜有著較簡單易學、便於記寫等多種優點,我國的許多音樂家在創作樂曲時,記錄最初的創作樂思,多習慣使用書寫方便的簡譜。聶耳創作《義勇軍進行曲》、冼星海創作《黃河大合唱》時,他們的初稿也都是用簡譜來記寫的。這使它在中國有著比五線譜更為眾多的使用者,對於推動和普及民眾性的音樂文化活動起著重要的作用。

五線譜

五線譜是世界上使用最廣泛的記譜方法,它用音符的符頭在五條平行橫線上位置的高低來記錄樂音的高低,用音符的不同形狀表示音的長短。與簡譜相比較,五線譜有標示樂音音高較為直觀、容納音樂信息量大的優點,在記寫音域寬廣、聲部眾多、轉調頻繁的大型樂曲時,五線譜比簡譜更有優勢,因此,它廣泛套用於專業音樂領域。

五線譜的前身可追溯到歐洲中世紀的紐姆記譜法及有量記譜法。五線譜就是在前兩種記譜法的基礎上發展起來的,到17世紀逐步趨於完善,18世紀開始定型沿用。五線譜是與西方多元性思維的文化背景相適應,在記錄西洋器樂、交響樂等和聲性多線條音樂思維的作品方面具有無可替代的優越性,一直是西方音樂作品記載的主要書面形式。

五線譜這種記錄音樂的方法於17世紀中葉傳入中國。最初只是用於記錄和傳播天主教堂中演唱的讚美上帝的經文歌和聖詠。19世紀末隨西方傳教士的傳教及新學的興辦而使五線譜在中國的使用有所推廣。20世紀初,由於蕭友梅等國人對西洋音樂理論、作曲技法以及西洋樂器演奏的系統學習、傳播和使用而確立了五線譜在中國專業音樂領域中的地位。如今五線譜在中國專業音樂家的音樂創作、專業音樂團體的演奏演唱、專業音樂院校的音樂教學,以至廣大琴童對鋼琴、小提琴等樂器的學習中,都起著非常重要的作用。在我國,五線譜的推廣能夠提高人們的演奏、演唱、欣賞水平,對於普及高雅音樂文化與促進中外音樂文化交流等都具有重要意義。

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